Les actualités

Exposition Daniel DESPOTHUIS

du 27 Octobre au 16 Décembre 2017

 "Try another world"

exposition des œuvres de Daniel DESPOTHUIS

Le vernissage aura lieu

le Vendredi 27 Octobre à partir de 18h

 

 

 

 

Daniel Despothuis est né à Pamiers (Ariège) en 1949; vit et travaille à Pamiers.

 

Artiste peintre depuis 1972/73 – Autodidacte. Il préside l’Association Art Plus qui anime l’espace d’art Les Carmes Art Contemporain à Pamiers.

Daniel Despothuis a appris la technique de la peinture en réalisant des oeuvres figuratives. Pendant cet apprentissage sa recherche ne se limite pas aux seuls aspects théoriques et pratiques ; son regard se porte déjà sur ce qu’il y a au-delà des objets et des sujets qu’il peint, voulant s’affranchir des apparences afin d’en saisir leurs « vérités ». Cela ne suffit pas pour autant à sa volonté de percer les « mystères ».

 

 

 Sa rencontre avec Yolande Leger lui permet d’approfondir la psychologie de l’art abstrait et de s’ouvrir à l’art contemporain comme il le désirait. Dès lors il ne cesse d’étudier, de travailler et d’explorer des espaces infinis entre mystérieux silences et symbolisme de l’univers. Il exprime à travers des techniques et des matériaux les plus variés et hétérogènes, les transformations, les perplexités, les doutes et la misère spirituelle dans laquelle se débat la société contemporaine.

 

Daniel Despothuis emploie des éléments de récupération (Tissus, sacs de jute, bois, fer, clous, etc…). Ces objets sont chargés d’une énergie qui leur est propre et de la projection psychologique qu’on leur transfère. L’assemblage sur la toile, pouvant paraître hétéroclite, par une composition particulière, donne au tableau une énergie unique, globale, qui bouscule le spectateur et lui ouvre les portes de domaines qu’il ne soupçonne pas. La finalité de son travail et de son oeuvre n’est pas de représenter ou décrire quelque chose, mais d’être « une chose », un objet chargé d’énergie mentale que l’artiste lui incorpore afin de provoquer chez le spectateur une émotion et de créer un échange, une résonance entre eux ; résonance à même de réveiller, par effet cathartique une part enfouie de sa personnalité. Il en va de même pour les tracés calligraphiques, amenant une énergie, un souffle vital, une force, bousculant la possible certitude des spectateurs.

 

Les oeuvres de Daniel Despothuis sont vectrices de mémoire, à la fois personnelle et universelle ; mémoire qui nous permet « d’être », de nous ancrer dans une histoire, d’affronter le monde dans sa complexité et ses drames. L’artiste possède ce pouvoir qui consiste à transcender ses blessures afin d’offrir à ses congénères des clés, des pistes pour appréhender l’espace qui les entoure.

 

Il se joue dans les oeuvres de cet artiste une dualité entre l’intériorité et le fracas du monde, conflit qui trouve son équilibre dans la réalisation, dans une mise en oeuvre si particulière propre à celui-ci.

 

Ses oeuvres exposées dans de nombreux pays ont été plusieurs fois récompensées. A travers l’art qu’il pratique, mû par des processus symboliques inconscients, Daniel Despothuis manifeste une création originale pleine de fraîcheur et de vigueur, support d’un merveilleux voyage qui nous amène au-delà de nous-même.

 

Conférence Art et Politique en Amérique latine par Antoine SEEL

Le Vendredi 20 Octobre à 20h30, à l'espace d'art, en partenariat avec REV (petite université populaire) ART ET POLITIQUE EN AMERIQUE LATINE

animée par Antoine SEEL

Atelier d'écriture avec Pabloramix

Le prochain atelier d'écriture aura lieu le samedi 14 octobre de 14h à 16h à l'espace d'art. Il sera animé par Pabloramix

Exposition Carles BROS

du 9 septembre au 21 Octobre 2017

 Ce que les vents me disent (ma Méditerranée)

exposition des œuvres du peintre Carles BROS

 

Samedi 16 Septembre à 20h30 conférence de Carles BROS   "l'aventure de la créativité"

Le vernissage du 14 septembre a permis aux participants de découvrir Carles BROS qui n'a pas été avare d'explications tant sur les œuvres exposées que sur la variété de ses activités présentées dans une vidéo qu'il a commenté avec passion. Il nous donne rendez-vous Samedi 16 septembre à 20H30 à l'espace d'art pour une conférence intitulée "l'aventure de la créativité"

 

Né en 1956 à Terrassa-Barcelone (Catalogne), Carles Bros apprends l'art du dessin et de la peinture dès son enfance grâce à sa mère, la peintre Joaquima Solanes, qui l'a introduit au monde de l’art par la formation artistique académique. Sa vie a toujours été liée au monde du sport et de la mer, et très influencée par ses voyages.

Ses œuvres ont été  distinguées à plusieurs concours de peinture, il a conçu des logos pour des événements sportifs tels que la Coupe d'Europe de Hockey 1999, la Coupe d'Europe de Ski 2008 ou le Championnat d'Espagne d'Aviron 2011, ainsi que pour des entreprises et institutions.

Carles Bros a réalisé plus de quatre-vingt-dix expositions individuelles. Des gouvernements de plusieurs pays l'ont invité à exposer ses œuvres dans des lieux tels que La Sorbonne de Paris, les Musées Maritime de Barcelone, de la Mer de Galice, ou de Portimão ou le Beijing Art Museum de Pékin.

En 2003, il voyage au Sénégal et au Mali, où il dessine et écrit. En 2004, il voyage en Malaisie et en Thaïlande et, en 2007 au Maroc. En 2010, invité par le Beijing Art Museum de Pékin, Bros visite la Chine. Son exposition itinérante L'art de la teranyina « L'art de la pêche au lamparo » a été montré dans des nombreux musées d'Europe et Asie entre 2005 et 2011.

Depuis 2010, Carles Bros est le directeur  du TRAMUNTANART, une foire-exposition d'art contemporain liée au vent du nord, la tramontane, qui a lieu tous les ans à El Port de la Selva, dans la province de Gérone.

En 2012, Carles Bros reçoit la Médaille de la Pêche Catalane de la Generalitat de Catalunya, en reconnaissance de sa défense dans le monde entier de la pêche durable en Catalogne et en Méditerranée.

En ce qui concerne son œuvre écrite, en 1990 Bros illustre le livre Els pagesos « Les paysans » ; en 2006 il édite L'aventura de la creativitat « L'aventure de la créativité » ; en 2008, Carles Bros: 25 anys de pintura « Carles Bros : 25 années de peinture » et plus récemment, en 2009, le livre-CD Els 24 capricis de Paganini « Les 24 caprices de Paganini ».

Son œuvre est présente dans les collections de musées, institutions et collections privées d'Amérique Latine, Europe, Asie, Afrique et les États-Unis.

 

Son œuvre

Après le postimpressionnisme et ses huiles et aquarelles des années 1980, l’œuvre de Carles Bros évolue vers une peinture plus personnelle qu’il expérimente avec des techniques acryliques. Bros fabrique lui-même ses peintures avec des pigments naturels, sable, marbre en poudre et latex, auxquels il ajoute aussi la technique du collage dans plusieurs de ses œuvres : l'effet des mots donne de la poésie à ses tableaux.

Le peintre catalan se laisse entraîner par l'imagination pour exprimer tout ce qu'il voit et l'émeut. Son style pictural contemporain progresse vers l'abstraction avec une liberté totale en fuyant les conventions académiques. Son œuvre, qui se caractérise par une lumière spéciale et par ses couleurs de tons méditerranéens, est très puissante et expressive ; elle transmet une énergie débordante.

Carles Bros a travaillé sur des plusieurs thématiques liées à ses voyages et expériences, ainsi qu'à sa relation avec la musique.

Le mois d’avril  2013 il finit l’œuvre « Banc de peix » sur la digue de Llançà. Le mural le plus grand du monde  (3162 m2).

Exposition Jean-Claude LIEHN

du  17 Juin au 22 Juillet 2017                         Vernissage le 16 Juin  à partir de 18 heures "influences croisées"                                           exposition des œuvres photographiques de Jean-Claude LIEHN.

 

Le 17 Juin 14h atelier d'écriture

 

le 17 Juin   20h conférence "BECHER, SHORE,DEPARDON: la photographie entre art et document."   

 

 

Jean-Claude Liehn photographie depuis quinze ans l’architecture vernaculaire avec une démarche profondément égalitariste. Chaque demeure, chaque bâtiment mérite à ses yeux un regard attentif et parfois l’hommage que constitue l’acte photographique. Il aime rattacher cette approche à ce que nous ont enseigné quelques maîtres de la photographie, en particulier les Becher, Stephen Shore et Raymond Depardon. Il fait découvrir dans cette exposition trois de ses sujets favoris, ce qu’il appelle : ‘les cathédrales agricoles’, ‘les carrefours américains’ et ‘ces objets appelés maisons’.

 

Atelier d'écriture

le 20 Mai de 14h à 17h avec Pabloramix

Exposition:                                             Francesc CRESPO, Inès RAMSEYER DAYER,     Jose VIASGRANADOS, Luis GONZALEZ BOIX, Pascal BORT CUBERO, Renato MANZONI,    Xavier RAVENTOS

"ENSEMBLE"

du 27 Avril au 10 Juin 2017

vernissage le Jeudi 27 Avril à partir de 18 heures

Exposition réalisée en collaboration avec la Galeria O+O de Valence

 

Francesc CRESPO :
Né en 1951 à La Pobla de Vallbona ( Valencia )
Le travail artistique de Francesc Crespo joue avec la réalité au lieu de la reproduire. Une œuvre d’une grande force qui cherche dans la mémoire des images significatives de l’histoire de l’art. Un hommage historique où l’on voit le reflet des céramiques attiques ou des portraits de la renaissance et contemporains, de grands Maîtres comme Antonello de Messina, Piero della Francesca et Manolo Valdés.

 

 

Inés RAMSEYER DAYER:
Née en Argentine, vit à Madrid.
Sa formation d’architecte conditionne sa vision de la qualité de l’espace et des échelles différentes.
Elle comprend que aussi bien l’architecture que la photographie utilisent les mêmes ressources pour construire les espaces, l’ombre et la lumière.
Comme architecte ce qui l’intéresse c’est la production d’espace architecturaux qui ont pour qualités de pouvoir apporter des valeurs, des émotions reliées à des symboles. Ce qui l’intéresse aussi c’est la matérialisation des superficies et les limites de l’espace… et c’est ici que se trouve le lien avec son travail photographique.
Comme photographe ce qui l’intéresse c’est d’explorer les façons d’appréhender l’environnement. Elle cherche des situations où l’absence d’une échelle graphique identifiable peut nous motiver à plonger en nous-même et jouer à des interprétations en accord avec notre monde.
L’architecture, la photographie et les voyages sont indissolublement unis dans sa vie.

 

José VIASGRANADOS :
Né à Barcelone, vit à Cabrils.
José Viasgranados peint en créant (comme il le dit lui-même) une dialectique entre la forme et la non forme, de telle façon que l’œuvre reste sujette à l’usage de la couleur.
Jouer avec la couleur, ajouter de la profondeur avec différentes nuances, tonalités et couches de textures. Expérimenter et user du chromatisme comme moyen de transmission sensoriel n’est pas nouveau, mais dans ce cas, le résultat est si violent et prémédité qu’il parvient à nous perturber. Une expérience fascinante

 

Luis GONZALEZ BOIX :
Né en1958, vit à L'Alcudia (Valencia).
Lyrisme visuel, médiateur de la diversité culturelle, comme pulsion suggestive de créativité et de progrès. Parmi la variété des supports utilisés (Méthacrylate Plastic, Toile, papier de coton, photo, Ingres, etc.), interaction de techniques et de styles à partir de l'abstraction, à travers l'utilisation de graphiques et de photos à partir du dessin, du graffiti, de la publicité et les médias de communication. Graphismes qui se métamorphosent et fusionnent entre eux, réalisant une nouvelle forme plastique et une expression différente de son origine, se diluant, s’éloignant et s’approchant, superposant les couches comme un fluide tel un palimpseste de l’eau. Il est la mémoire de l'eau, d'une marque enregistrée sur son chemin, fait écho à l'écoulement de fluide et mutable évoqué dans l’inconnue représentatif de ses battements stellaires, comme l'orthographe unificatrice, globale et l'intégration de nouvelles entre les flashs distants de profondeur cosmique.
Hydrosphère qui invite à plonger dans un voyage onirique vers la réflexion, monde magique d’illusions, de couleur et d’espérance.

 

 

Pascual BORT CUBERO :
Né à Vila-Réal en 1954
Il commence son voyage à travers le monde de la photographie à Barcelone.
C’est un homme créatif, avec des idées nouvelles et tant des choses dans sa tête que parfois lorsqu’on est devant son œuvre, on frissonne et on se met à penser et pour moi ceci est merveilleux. Une œuvre que je vais voir et qui ne me dis rien n’a aucune valeur à mon point de vue. Lui est un photographe qui capte avec son objectif ce que nous voyons tous habituellement, mais ensuite il le transforme en ces œuvres qu’il nous présente à chaque exposition qu’il fait. Il nous amène dans une atmosphère de magie, mais à son tour, ne nous permet pas de quitter les pieds du sol. Son esprit élabore des figures et ses mains vont les transformer d’une manière magistrale et unique.
J’ai vu beaucoup de photographies, mais celles de Pascual, voyant ses derniers travaux, je peux assurer qu’ils sont délicieux.
JORGE LUIS SECO, écrivain et poète ; West New York États-Unis

Les œuvres qui sont présentées dans cette exposition, (macrographie) forment une partie d’un travail appelé « Walls » ; travail urbain cherchant les éléments adapté de plasticité, couleur, et composition, dans l'étude des êtres humains par sa projection dans la construction de paysages ; provocant des ambiances absolument contemporaines.

 

Renato MANZONI :
Né en 1945 à Barcelone, vit à Sitges.
Travaillant exclusivement manuellement avec un programme de dessin vectoriel hautement spécialisé et originellement très limité dans ses possibilités esthétiques, Renato Manzoni crée des compositions d’une grande complexité, beauté et charge symbolique. Ses paysages, scènes et personnages sont une illusion formée par d’innombrables lignes, polygones et couches de couleur, les mêmes que l’on utilise pour dessiner les plans et les bâtiments. Avec lui, l’artiste saute les barrières qu’impose le programme pour donner à un outil de travail une nouvelle utilisation, étendre ses limites au-delà de la logique, créant de nouveaux chemins, de nouveaux langages.
Les paramètres digitaux, le filagramme porté au maximum du détail et le travail ardu de concision que requiert le dessin vectoriel se transforme ici en histoires pour conter, en dénonciations sociales et en images impactantes pleines de belles nuances de couleur. L’intérêt pour corrompre ce qui est établi et rechercher de nouvelles possibilités artistiques pour transmettre des idées, inquiétudes et messages de transcendance a accompagné Renato Manzoni tout au long de sa carrière. Un esprit qui continu aussi à être vigilant dans l’actuelle ère de l’informatique.
Qu’elles soient imprimées sur vinyle, toile ou carton, les œuvres actuelles de Renato Manzoni réfléchissent sur des thèmes se référant à l’être humain, les migrations, les inégalités sociales ou le milieu ambiant depuis une perspective entre le documentaire et l’imaginaire. La photographie, le dessin technique et le collage digital s’unissent pour donner forme à des scènes chargées de signification, poésie, évocation et pensée.

 

Xavier RAVENTOS : 

Né à Barcelone en 1951, vit à Rabos.
Xavier Raventós commence son activité professionnelle comme photographe ; reporter photographe présent au cœur de plusieurs conflits ainsi que d’évènements dans les pays d’Amérique Latine.
La pression, l’horreur de scènes vécues, les risques encourus, le ramènent un jour au travail en studio au centre de Barcelone. Photographies publicitaires, industrielles et institutionnelles.
Ce n’est que depuis une quinzaine d’année qu’il pratique la sculpture. Il choisit le fer, l’acier, un matériau dur, rude, opposant une résistance, retrouvant le feu, les flammes, les étincelles ; autre combat plus pacifique et constructeur. Une forme de renaissance dans l’adversité du matériau.
Deux formes de création : Une première ludique, presque artisanale, créant de petits objets, de petits personnages parfois un peu subversifs.
Autre création, plus artistique celle-ci, où les formes, les volumes se déploient dans l’espace au gré des compositions, les vides et les pleins se conjuguent ; l’originalité tient dans ce subtil équilibre des formes touchant notre œil et notre esprit. Formes aériennes faites avec des matériaux lourds, puissance et légèreté ; Xavier Raventós nous démontre que les contraires peuvent coexister, s’harmoniser.
Pourtant un tableau sculpture interroge le regard ; enchevêtrement d’éléments métalliques, chaos organisé, rappel en miniature d’anciennes visions de conflits armés. Résurgence de souffrances anciennes, déchirement de l’âme. Xavier Raventós a continué sa route, est passé à autre chose mais n’a rien oublié même s’il en parle peu.
Ses sculptures, d’apparence sages, nous rappellent ce passé ; le fer est tordu, plié, coupé, tronçonné. Il faut de la violence pour parvenir à réduire le matériau à son désir. Xavier Raventós nous démontre que le monde, malgré tout, peut être beau et cette beauté source de rédemption.

 

 

 

Exposition                                                        Enriqueta HUESO MARTINEZ                             et                                                                      Kenryo HARA

"ORIENT/OCCIDENT"

du 10 mars au 22 Avril 2017

Vernissage le Vendredi 10 Mars 2017 à partir de 18 h

 

Kenryo HARA

Pour plonger pleinement dans l'œuvre de Kenryo Hara, il faut essayer de comprendre le fonctionnement basique de la langue japonaise. Une langue qui inclut très peu de sons et beaucoup de signes, le langage écrit étant complètement différent du langage parlé.Il existe beaucoup de mots et constructions grammaticales qui sont seulement dans le langage parlé.

 

Ce sont les sinogrammes, l'écriture idéographique qui exprime des idées plus que des sons à quoi s’ajoutent trois systèmes d'écritures pour plusieurs raisons basiques. En Japonais il n’existe pas de séparation entre les mots, ceux-ci vont ensemble côte à côte, sans espaces, ce qui fait que beaucoup de mots sont prononcés de la même façon ou presque. De là viennent les idéogrammes chinois, les Kanjis, pour bien différencier le sens des mots dans l'écriture sans espaces et d'une prononciation peu abondante, puisqu’il (elle) évite les ambiguïtés. Kanji est l'écriture d'idées et de sens, sans ceux-ci il est impossible de comprendre quelque chose, avec ceux-ci on peut comprendre le sens.

 

L'œuvre de Kenryo Hara permet d'apprécier que l'écriture n'est pas uniquement une technique ou pratique aux fins utilitaires, mais aussi un chemin d'évolution et de développement personnel. Beaucoup plus qu'un bon Maître calligraphe, il est un artiste qui crée une œuvre à partir de l'écriture ancienne, une œuvre créatrice et libre, pleine de sens. Ses travaux approchent la surprenante et riche culture japonaise à travers une série de Sumi, qui s’expose pour la première fois en France. Dans celles-ci l'artiste essaie d'exprimer ses idées et sentiments, de toucher et d'émouvoir le spectateur à travers l'écriture ancienne Kodai-Moji, en créant son langage intime, sa propre langue tant personnelle qu’artistique

 

Enriqueta HUESO

La philosophie artistique d’Enriqueta Hueso Martinez Enriqueta : Une femme.

Sa nature : l’Art.

Dans l’art, l’expression pure de ce qui est, et de ce qui doit être, du coup de pinceau aux couleurs rapides, dans la dynamique elliptique et courbe du trait. Une rapidité, un dynamisme dans les traits, qui nous frappent par la gravité, l’élégance, la précision de l’image et de la composition artistique.

Enriqueta Hueso Martinez est la pure énergie expressive d’un sentiment profond et d’une volonté de s’exprimer par une comparaison.

Le tout circonscrit aussi, dans le microcosme féminin, fait de curiosité, d’expérience de la transformation physique dans le temps, avec des traumatismes, des peurs, et tout ce que les sensations lui ont fait craindre et dépasser, dans son vécu personnel qui est aussi le vécu de tout un chacun.

Du macrocosme au microcosme, Enriqueta nous conduit dans le détail du particulier, en comparaison avec un dessin plus grand.

Chaque œuvre est une exploration du détail, un monde en miniature, ce que l’on verrait au microscope.

Mais l’observation attentive nous amène à découvrir dans les signes, les couleurs et les dynamiques, l’expression graphique d’une émotion, d’un sentiment, qui se transfigure dans l’image complète de l’anatomie humaine, d’un détail, le tout relié non pas avec l’image et la couleur mais avec l’émotion explicite à travers la couleur et le graphisme.

 

Exposition Geordy ZODIDAT ALEXIS

"BLACK CRISIS"

du  7 octobre au 5 Novembre

vernissage le Vendredi 7 Octobre à 18h

 

 le lundi 31 octobre à partir de 14h30, à l’occasion de l’exposition de GEORDY ZODIDAT ALEXIS « Black crisis »,
 visite guidée, commentée, en présence de l’artiste,

 

Les personnes intéressées peuvent s’inscrire par mail: lescarmes.art@gmail.com ; cette visite, libre et gratuite, sera l’occasion de découvrir l’univers de l’artiste, la genèse de son art et de lui poser toutes les questions qui vous sembleront opportunes.

Soyez curieux ; nous serons heureux de vous accueillir.

Biographie

Geordy Zodidat Alexis a bâti son travail autour de pratiques artistiques protéiformes et des questions relatives à la connaissance, la mémoire et l'histoire.
Diplômé de l’École Supérieur des Beaux-Arts de Montpellier en 2011, ses expériences artistiques sont portées par son héritage culturel mixte issu des mœurs de vie de l'Europe et des Caraïbes.
Né en 1986 en Guadeloupe et résidant actuellement à Montpellier, sa pratique confronte les idées de plusieurs cultures pour en faire émerger de nouvelles pensées, en utilisant des médiums tels que la danse, la musique et l'installation, le dessin et la performance.
Son regard ouvert et conscient sur le monde dans lequel nous évoluons nous questionne sans cesse sur la mémoire, l'histoire, comme autant d'éléments qui nous guident dans notre rapport au monde actuel.
Son travail fait l'objet d'une présentation sur la scène nationale et internationale : La Panacée en 2008, Galerie Aperto en 2013, Palazzo Barone Ferrara, Mediterráneo Centro Artístico en 2014...
A.MM.

 

Mon travail relève de l'hybridation, il est porté par un héritage culturel complexe issu de la Caraïbe, l'Afrique et l'Europe. Dans la réflexion, je m'attache aux souvenirs, qu'ils soient liés à un fait historique, à la mémoire collective ou non ; c'est cette terre que je laboure.

Il s'agit pour moi de questionner le souvenir d'une lecture, une image, une parole, un geste, ou encore un son, et d'effectuer une analyse poussée au besoin. Ainsi, dans ma pratique qui se veut protéiforme, je tente de faire émerger de nouvelles pensées…

Geordy Zodidat Alexis

le vernissage a été l'occasion pour les participants de rencontrer Alexis Geordy Zodidat et de l'entendre présenter ses œuvres présentations agrémentées de texte que les visiteurs pourront  découvrir à l'occasion de leurs visites.